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Las miradas y espacios de Rodrigo Prieto 

De su labor en el filme ‘Passengers’ y las referencias a Stanley Kubrick  así como de su trabajo en ‘Silence’, con Martin Scorsese.

Uno de los cinefotógrafos mexicanos más destacados tanto en el cine de Hollywood como el de México, Rodrigo Prieto es quien ha retratado las poderosas imágenes de filmes como “Amores Perros” (2000),  “21 Grams” (2003), “Babel” (2006) y “Biutiful” (2010) del director Alejandro González Iñárritu; “Frida” (2002) de Julie Taymor o “Alexander” (2004) de Oliver Stone.

En 2005 estuvo nominado al Oscar en la categoría a Mejor Fotografía por “Brokeback Mountain” de Ang Lee, con quien volvió a trabajar en “Lust, Caution” en 2007. Otros de sus trabajos son “Los abrazos rotos” (2009) de Pedro Almodóvar y “Argo” de Ben Affleck en 2012.

En estas fechas se estrenan dos películas donde es el responsable de la fotografía: “Passengers” -dirigida por Morten Tyldum y protagonizada por Jennifer Lawrence y Chris Pratt en salas desde el 21 de diciembre-, y “Silence”, dirigida por Martin Scorsese  y protagonizada por Andrew Garfield, que estrena este 23 de diciembre. 

Dos proyectos muy distintos con retos y particularidades pero que permiten al espectador dar una cierta mirada al trabajo de Prieto.

De eso nos habló en entrevista. 

En ‘Passengers’ tenías que retratar espacios muy abiertos para dar esta sensación de aislamiento, soledad y del inmenso espacio. ¿Cómo lo trabajaste? 

La película es una combinación entre una historia íntima de estos personajes que están en el espacio, en medio de la nada, en una nave espacial enorme. Queríamos mostrarlos pequeños en ese espacio, pero al mismo tiempo, poder estar muy cerca de ellos y ver su corazón, leer sus almas a través de sus ojos. Los actores son maravillosos y retratarlos fue un placer (…). En un principio quisimos sentir como que la cámara fuera parte de la nave espacial, es una cámara prácticamente mecánica que ve los espacios y poco a poco nos vamos acercando a los personajes para convertirse ya en una cámara no mecánica, sino en un acompañante de nuestros héroes y se vuelve más subjetivo el trabajo. Y ya luego el trabajo de iluminación era imaginar y diseñar cómo estaría iluminada una nave espacial de lujo. Normalmente en las películas de ciencia ficción son naves ya sea de guerra o científicas; esto es muy distinto. No es común para nada en la ciencia ficción una nave como esta. Para mí era muy interesante darle un look distinto a lo que en general pensamos y vemos la ciencia ficción.

En el cambio de emociones de los personajes que se van dando en el transcurso de la trama, ahí se nota otra vez mucho el trabajo de cámara para hacer la transición y la confrontración.

Utilicé el concepto donde la luz se adapta a lo que están haciendo las personas, no solamente cuando entran a un espacio y se enciende la luz, que eso es lo más básico, sino que va cambiando; primero, para dar la sensación que pasa el tiempo, pero quise también cambiar el color de la luz y la intensidad de la luz de acuerdo a ellos, a lo que están sintiendo para que tú como espectador sientas un poco más a fondo lo que está pasando. Es como la música. La música a veces no te das cuenta que está tocando pero te está moviendo las entrañas; con la iluminación es parecido, apoya el momento dramático con luz y con manejo de cámara. Lo que procuro es que el espectador no sienta ese trabajo o ese diseño, sino que sientan que están en la nave espacial o en el caso de “Silence” la película con (Martin) Scorsese, que se sientan en el siglo XVII en Japón con estos padres jesuitas. Para mí la fotografía es hacer que sea una experiencia lo más real e intensa posible para el espectador.

Tu trabajo es muy visceral, cualquiera que sea la historia. Desde ‘Amores Perros’. Te pongo por ejemplo esta película por escenas como las de las peleas de perros, el mismo choque de autos. Confrontas al espectador con los personajes.

Y no puedes imaginar dos películas más diferentes que “Amores Perros” y “Passengers”, o para el caso “Silence”. Y eso es algo que disfruto mucho de hacer (retratar) mundos diferentes, para mí mismo, como ser humano, me gusta meterme de lleno a lo que sentiría por ejemplo, ser un padre jesuita en Japón (en el caso de la trama de “Silence”). Trato de retratar cómo se sentiría eso con la cámara, con la luz, me lo imagino y trato que esas imágenes que se me vienen a la cabeza, plasmarlas en la pantalla. En “Passengers”, nadie ha estado 60 años en el futuro en el espacio en una nave espacial de ese tipo, hay que imaginárselo, retratarlo y crearlo. Finalmente en el set somos todos personas y toda esa magia, para mí es muy divertido crear estos mundos.

En ‘Passengers’ hay dos escenas que son claras referencias a la filmografía de Stanley Kubrick. La del bar una referencia a ‘The Shining’ y otra que parece a ‘2001: Space Odyssey’. 

Fue a propósito. No fue «nos lo vamos a fusilar» (risas). El traje mismo del «bartender», era muy “The Shining”. Hasta las alfombras de ese set se parecen mucho a las alfombras del pasillo de “The Shining”.  Y sí, Kubrick sí fue una influencia para esta película. En particular “The Shining” incluso en el lenguaje de la cámara. La cámara no es personal, un poco nos inspiramos en eso. De “Space Odyssey” también porque decidimos utilizar la forma de crear gravedad por fuerza centrífuga, sí, se inspira en eso y en la ciencia real que es hasta ahora la única forma de lograr una aproximación a la gravedad en el espacio. Eso creó muchos retos porque nos tuvimos que plantear eso, nos tocó quebrarnos un poco la cabeza porque teníamos que entender ya a un nivel científico cuando se detenga la nave y deje de girar. Todo eso nos lo tenemos que inventar de cero e inventar cómo resolverlo a nivel técnico fue muy complicado pero también muy divertido. 

Mencionabas ‘Silence’, tu segunda colaboración en cine con Martin Scorsese. Platícame un poco más.

Estábamos trabajando todavía Scorsese y yo en el piloto de “Vinyl” la serie de HBO y estábamos hablando de hacer “Silence”; nuevamente dos historias muy diferentes visualizaciones. Ya cuando comenzamos a hablar más en forma sobre “Silence” era encontrar qué lenguaje le íbamos a dar esta película. “The Wolf of Wall Street” y el piloto de “Vinyl” las dos son extremas un poco, casi juguetonas, colores, cámara en movimiento, locura, y en “Silence”, teníamos que mostrar la ausencia o el silencio de Dios y causar la pregunta ¿acaso no está aquí Dios y no ve estas cosas terribles que están pasando? ¿Por qué no interviene? Estas son preguntas muy importantes sobre todo para un sacerdote misionero, enfrentarse a la naturaleza, enfrentarse a la brutalidad del ser humano y a la belleza de la naturaleza. Todo eso nos indicaba que no iba a funcionar un lenguaje florido por lo cual decidimos mantener la cámara más estable y más formal. También los japoneses tienen una manera muy formal de presentarse y la cámara es muy congruente con eso. Y de pronto hay cosas más surreales y la cámara hace movimientos más repentinos o rápidos pero es muy poco. Y cuando eso sucede tiene más potencia, porque la película es mucho más minimalista, sin embargo tiene mucha potencia, tiene como una cosa que te agarra y estás al borde de la butaca de principio a fin a pesar de que no hay un manejo extremo de la imagen, de la fotografía y del imagen de cámara.

Siendo uno de los cinefotógrafos mexicanos que se ha destacado en Hollywood, ¿como has creado?

Trato de no llevar mi carrera con una conciencia; trato de hacer el proyecto que me llama la atención y que dice algo que a mí me interesa explorar. No se trata ni del presupuesto ni de ese tipo de cosas, ni de la fama. Es si es una historia que me mueve, algo en lo que quiero pasar los próximos 6 o 7 meses, es lo que me ha guiado y he tenido la gran fortuna de en el camino ir colaborando con directores que admiro y con los que he tenido una colaboración muy bonita. Pero por ejemplo por la película con Ang Lee fue que Scorsese me llamó para “The Wolf of Wall Street”. Las cosas se dan como se dan.

¿Un estilo? trato de no tener un estilo, pero no puedo negar que tengo un gusto específico y que sale naturalmente. Seguramente unos podrán ver más un estilo mío. Yo no lo reconozco, no lo sé, pero seguro ahí está. 

Entrevista publicada originalmente el 23 de diciembre de 2016.

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